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Drifting among the thickened air and these towers with no space within, floating on the surface of this scared water, I appear as a cocoon. No one knows when I will transform. But I know when I transformed. Just not on their sight. The beauty lies within and it stays hidden for all my precious are mine only, for they are not worthy to see because of their judgement. I shall be in my embrace, forever. -
Bienvenido a casa presents death not as loss, but as return. Rooted in the Mexican cosmovision, the work evokes Mictlán, the place of rest reached after a journey of transformation. It speaks of release, acceptance, and the quiet peace that follows when the journey is fulfilled. -
Teyolia is a visual meditation on the heart as the center of life, movement, and consciousness. Inspired by Mexica thought, the crowned heart connects body, cosmic energy, language, and inner truth. The work invites us to live with the fullness of the heart. -
A visual meditation on love as an invisible bond. Two intertwined forms move through a shared field of color, suggesting connection beyond physical distance and the mysterious entanglement of two lives. -
What if the Tree of Life is not only a symbol, but a map of the hidden architecture through which worlds, souls, light, and time are connected? Clockwork of the Universe: The Ark of Time transforms the Tree of Life into a luminous celestial mechanism — an anatomy of creation in which each Sefirah becomes a living, rotating cosmic gear. Golden pathways connect the Sefirot, carrying light and energy through different levels of existence as the entire structure turns like an immense clockwork of the Universe. At the lowest realm, Malkuth, countless small human figures inhabit the material world, sending streams of light upward through the Tree. Above them unfold successive levels of reality, revealing a continuous movement between the human, spiritual, and divine realms. Time moves through this architecture not as a straight line, but as a living spiral. On the right, the Ark sails through its currents; reflections dissolve the boundaries between past and future and reveal mirrored dimensions of reality. On the left, the blooming tree anchors life, memory, and the roots of the visible world. Above, a white staircase rises beyond the Tree toward Keter, where linear time disappears. The work brings together several ancient principles within one cosmic structure: “as above, so below,” the ascent of light through the Tree of Life, the multidimensional nature of time, and the interconnected architecture of visible and invisible worlds. The Tree becomes a clock, a map, and a portal — a vision of the hidden mechanism through which creation continuously unfolds. -
Honeyborn: The Journey of the Soul What happens to the soul before we are born — and where does it wait between lives? Honeyborn : The Journey of The Soul is a diptych that imagines the hidden architecture of existence before incarnation. In The Nectar of Becoming, souls emerge within a mysterious Mother Matrix — a honeycomb-like realm where consciousness is formed and prepared to enter physical life. In Soul Storage Facility, the journey continues through an unseen world of levels, portals, and passages, where souls exist at different stages of transformation before returning to Earth or moving beyond. The recurring honeycomb, ladders, figures, and geometric structures become a symbolic map of a reality we cannot see — a space between worlds where the soul is formed, transformed, and sent on its next journey. -
Grazia Barbieri Tecnica: Olio e acrilico su tela Anno: 2026 Dimensione: 75 x 110 cm Descrizione: Un gioco di colori e bianco e nero, dove la parte colorata del soggetto risiede all'interno di uno spazio vuoto geometrico e la parte priva di colore si trova all'esterno della figura geometrica. -
Lo sguardo sta lasciando alle spalle l'adolescenza. Il sorriso è sincero, anche se appena accennato. La sua tensione è sospesa tra ciò che era e ciò che vuole essere. Lo sta ottenendo. -
Custode consapevole di un mondo fragile, un mondo di segreti che non svela, né subisce. Un mondo lontano nel tempo. I cromatismi ne attenuano la distanza, rendendola vicina, viva, contemporanea. -
Il corpo come geometria vivente: le figure traducono in movimento l'invisibile che le circonda. -
Il titolo richiama la "merkavah" della tradizione mistica ebraica, il carro-veicolo di ascensione. L'unione tra le due figure diventa essa stessa una soglia verso l'alto, evocando anche i principi della geometria sacra, in cui le forme e le proporzioni sono espressione di un ordine capace di mettere in relazione il mondo terreno e quello spirituale. -
Feluca, olio su papiro originale. Una figura solitaria naviga il Nilo tra un doppio filare di palme, sul supporto grezzo del papiro che diventa parte stessa del paesaggio. -
Autunno fa parte dei dipinti dedicati alle quattro stagioni e di seguito il mio pensiero: Dal cielo scende e muta l'aria, non più tiepida balia dei nostri sogni,ma fredda messaggera di un autunno che sopira la mente. C'è quiete tutt'intorno la valle, come una madre che culla il suo bambino, così la nebbia placa i pensieri e spegne il domani. Una visione onirica ci inonda... presto cambierà tutto. -
Primavera fa sempre parte dei quattro dipinti dedicati alle stagioni e questo è il mio pensiero che lo completa: Vagano liberi i pensieri, come fiori effusi su nuvole di tulle. Tra le pieghe della memoria cerco raggi di luce, in una rassicurante primavera ripongo i miei pensieri -
"Estate" fa parte di quattro dipinti dedicati alle stagioni, i miei dipinti sono accompagnati da una poesia, che considero a completamento dell'opera perché frutto delle mie sensazioni : Granelli di polvere danzano attraverso raggi di luce dorata, socchiuso gli occhi, nella mente si evocano ricordi di giochi, luci e ombre disegnano mondi fantastici tra odori antichi di campi di grano e di papaveri, pomeriggi di assolata felicità. Ghirlande di fiori volteggiano nel cielo blu, è tempo di leggerezza. Questo è il mio pensiero dedicato all'estate -
Il titolo "Confidence in a orchid" trova in quest'opera la sua chiave di lettura. La "fiducia" (confidence) è l'atto coraggioso della figura umana che avanza nel vuoto, serena e ispirata alla maestosa presenza di un'orchidea che smette di essere un semplice elemento naturale e si eleva a simbolo di guida interiore, custode silenziosa di un cammino di scoperta e risilienza. E' un opera di forte impatto emotivo. Invita l'osservatore a trovare la forza e la fiducia nella bellezza complessa e resiliente della natura. -
In queest'opera Thorns in the Sun al centro della tela si ergono imponenti strutture vegetali, sono delle spine, fusti vigorosi dalle tonalità blu e violacee che culminano in vibranti rose color magenta, simbolo di una bellezza che nasce dalle difficoltà, illuminate da un grande sole anch'esso color magenta. Esso domina la parte superiore dell'opera, rappresenta la fonte della fotosintesi della vita. La figura femminile seduta su un ramo di spine, anch'essa con lo sguardo verso il sole si pone in un atteggiamento di ascolto e rispetto di fronte alla resilienza della natura. L'opera diventa così una metafora ecologica ed emotiva dove la fragilità e la forza si specchiano l'una nell'altra -
Human beings possess a divine nature, and their potential is limitless. Our bodies are unique, spiritual, and glorious. The cells of all our organs divide ceaselessly; this is the Stream of Immortality. The multidimensional spiritual structure of the human being engages in a continuous dialogue with the transcendent, uniting the visible and the invisible within itself. We need mindfulness—to pause and look within—and to see that the entire world lies there. -
Here, I examine the spiritual anatomy of the human being as a multi-layered spiritual space. Through a system of colour portals, I create a unique map of inner experience, where the painting becomes an instrument of contemplation and a means of experiencing the transcendent. The painting does not merely depict; it becomes a bridge between the visible and invisible worlds. The work raises the question of the interconnection between human inner evolution and the planet's future, inviting reflection on the fact that ecological and social changes are impossible without a transformation of human consciousness. -
My goal was to depict myself as a glass dissolving into the Ocean of Love, capturing the moment when the glass itself has turned into water and is barely visible, leaving only the Divine Presence. In the process of creation, I realized that the glass destined to dissolve was inside my head. The body does not hinder the Presence; it has merged with it. -
Sussurri onirici Sussurri Onirici è un progetto dedicato al mondo dei sogni, uno spazio atemporale dove i confini tra realtà e immaginazione si dissolvono. Attraverso la pittura a olio creo immagini rarefatte e luminose, simili a frammenti di pensieri ed emozioni. I fiori, pur restando astratti, si avvicinano alla figurazione, dando vita a composizioni intime e vibranti. Ogni dipinto, con la vivacità e l’armonia dei suoi colori, vuole essere un invito a fermarsi e ad ascoltarsi, entrando nel proprio spazio emotivo, in cui tutto sembra possibile. -
An intuitive composition of flowers emerging into light, Into the Light explores the feeling of letting oneself to step into the divine flow of creativity and brightness. Expressive marks and luminous layers transform the botanical forms into a quiet reflection on inner openness and light. -
Midnight Bloom reflects on beauty through transformation. As tulips approach the end of their life, luminous colour, dissolving forms and gold reveal a quiet beauty that remains even as the flowers begin to fade. -
the queen of swords miner arcana in tarot cards upside a self-sufficiaent perso total honesty downside a cold person rigid logic dishonesty unkindness -
the empress major arcana in tarot cards upside creation pregnancy abundancy fertitily good parenting downside dependence on others fertility issues limited resources -
the magician tarot card upside focused creativity turning visions into reality inspired action downside scattered energy wasting resources unfulfilled potentian -
Gender swapped and stripped of all appearance of mercy, this Angel of Justice appears more like the vengeful statue of the Commendatore from Don Giovanni: a terrifying monument come to life. Is this true justice? -
Una personale reinterpretazione, in chiave surrealista-pop, dell'elemento tipico della cultura mitica siciliana e del suo immaginario -
Mentor Berisha Tecnica: Oil on Linen Dimensione: 130cm x 100cm Anno: 2023 Descrizione: The cycle of paintings Mother and Child explores the mother–child relationship as a fundamental cultural, social, and existential structure. In Mentor Berisha’s practice, this bond is addressed within spaces where the body, memory, and the formation of identity intersect. On a painterly level, time and constellations are constructed from motifs of Albanian geography, based on landscapes, clothing, and cultural elements of the Kosovo region. These visual references function as carriers of historical and emotional memory, situating the mother–child relationship within a specific social and identity framework. A significant portion of the works addresses the experiences of mothers during the 1998–99 war in Kosovo, when childbirth and the raising of children took place under extreme conditions of violence, fear, and survival. In dialogue with these images, the exhibition also reflects on motherhood a quarter of a century after the war, drawing a parallel through time by examining how mothers raise their children today in a reality different from that of war. This contrast highlights not only the temporal difference but also the essential mother–child relationship, beyond any existential and historical circumstance. -
Mentor Berisha Tecnica: Oil on Linen Dimensione: 70cm x 50cm Anno: 2023 Descrizione: The cycle of paintings Mother and Child explores the mother–child relationship as a fundamental cultural, social, and existential structure. In Mentor Berisha’s practice, this bond is addressed within spaces where the body, memory, and the formation of identity intersect. On a painterly level, time and constellations are constructed from motifs of Albanian geography, based on landscapes, clothing, and cultural elements of the Kosovo region. These visual references function as carriers of historical and emotional memory, situating the mother–child relationship within a specific social and identity framework. A significant portion of the works addresses the experiences of mothers during the 1998–99 war in Kosovo, when childbirth and the raising of children took place under extreme conditions of violence, fear, and survival. In dialogue with these images, the exhibition also reflects on motherhood a quarter of a century after the war, drawing a parallel through time by examining how mothers raise their children today in a reality different from that of war. This contrast highlights not only the temporal difference but also the essential mother–child relationship, beyond any existential and historical circumstance. -
Mentor Berisha Tecnica: Oil on canvas boards Dimensione: 25cm x 35cm Anno: 2023 Descrizione: The cycle of paintings Mother and Child explores the mother–child relationship as a fundamental cultural, social, and existential structure. In Mentor Berisha’s practice, this bond is addressed within spaces where the body, memory, and the formation of identity intersect. On a painterly level, time and constellations are constructed from motifs of Albanian geography, based on landscapes, clothing, and cultural elements of the Kosovo region. These visual references function as carriers of historical and emotional memory, situating the mother–child relationship within a specific social and identity framework. A significant portion of the works addresses the experiences of mothers during the 1998–99 war in Kosovo, when childbirth and the raising of children took place under extreme conditions of violence, fear, and survival. In dialogue with these images, the exhibition also reflects on motherhood a quarter of a century after the war, drawing a parallel through time by examining how mothers raise their children today in a reality different from that of war. This contrast highlights not only the temporal difference but also the essential mother–child relationship, beyond any existential and historical circumstance. -
Enzo Lauria Tecnica: Olio e acrilico su tavola (trittico) Anno: 2024 Dimensione: 12 x 10,3 cm (ciascuno) Descrizione: Un'opera che mette in mostra il proprio "making of", ovvero una messa in scena della pittura a velature. Da sinistra a destra, una progressione dallo scheletro ai muscoli fino all’epidermide, attraverso strati trasparenti di colore che si intersecano tra loro. -
Prezio Tecnica: Olio su tela Anno: 2026 Dimensione: 120 x 80 cm Descrizione: Quest'opera nasce dall'idea di associare la malinconia all'asimmetria. il mio obiettivo è quello di trasmettere una sensazione di sconforto attraverso la disarmonia riportata in vari dettagli del quadro, in modo tale che l'occhio umano non riesca a notarla a primo impatto ma solo dopo che ha prestato attenzione ai dettagli. Una volta successo l'individuo proverà un senso di mancanza tra se stesso e ciò che può ricevere dall'opera o frustrazione portata dalla mancanza di ordine. L'opera segue il tema del sogno con tratti di Magico Realismo al suo interno, cioè parte dalla realtà per sfociare in un'ambientazione magica in cui il senso non va trovato, proprio come se si stesse vivendo un sogno magico. -
Prezio Tecnica: Olio su tela Anno: 2025 Dimensione: 100 x 80 cm Descrizione: Quest'opera rappresenta una notte in cui il sogno si mescola con la realtà attraverso l'insonnia, la domanda che pervade il quadro è "esiste una versione migliore di me rispetto a quella che sta vivendo questo sogno?". Ho realizzato quest'opera un anno fa dopo la mia prima mostra personale. Trascrivo qua una piccola poesia che ho ideato associata al dipinto: "La luce di stanotte mi fa cieco, crescita, verità, consapevolezza ma fragile. Adesso accolgo il dolore che non ho seminato, guardando il mio percorso, mi chiedo, come faccio ad essere così severo e a non avere paura della morte? Ho voglia di fermarmi, guardarmi dentro, isolarmi e riflettere per comprendere ciò che sto accogliendo cercando di trovare un sogno che poi perdo quando mi sveglio." -
Moje Shirzad Tecnica: Mixed media su tela Anno: ND Dimensione: 70 × 50 × 5 cm Descrizione:“Touching” esplora il delicato momento in cui due mondi interiori si incontrano: esitante, autentico e profondamente umano. Attraverso toni delicati della pelle e sfumature nude, l’opera evoca la sensazione di un contatto emotivo; non soltanto fisico, ma profondo come l’anima. Riflette la fragile bellezza della connessione, i fili invisibili di empatia, memoria e vulnerabilità che si risvegliano quando i cuori cercano di raggiungersi. “Touching” continua un viaggio interiore, ricordandoci che il vero contatto non è mai soltanto superficiale, ma lascia un’impronta nello spirito. -
Moje Shirzad Tecnica: Olio su tela Anno: 2016 Dimensione: 60 × 90 cm Descrizione:Quest’opera nasce nel 2016, dopo il mio trasferimento dall’Iran in Italia per continuare gli studi. Dal fumo della sigaretta emerge lentamente la parola persiana zan (زن) — “donna” — come una presenza che si libera nello spazio senza poter essere trattenuta.La donna in questa immagine non è vittima né simbolo: è origine di coscienza e di voce. Il fumo diventa metafora del pensiero,
libero, incontrollabile, capace di attraversare ogni confine. Anni dopo, il movimento “Donna, Vita, Libertà” ha dato a quest’opera un significato ancora più profondo: quella parola che nel dipinto esisteva silenziosamente nel fumo è diventata, nel tempo, una voce collettiva impossibile da spegnere. -
Agata Leocata Tecnica: Mista Anno: 2025 Dimensione: 80 x 80 cm Descrizione: In quest’opera, il "mostro" — proiezione cromatica delle nostre inquietudini — emerge da uno sfondo verde acqua, un colore che richiama una calma asettica, quasi ospedaliera. La creatura non ringhia, ma implora: la frase "ChatGPT please save me, save my soul" si ripete come una litania laica. L’opera esplora la nuova frontiera della dissociazione: lo spostamento del bisogno di cura e redenzione dall’umano all’algoritmo. È il ritratto dell’uomo contemporaneo che, smarrito tra le proprie psicosi, cerca un’ancora di salvezza in un’intelligenza artificiale priva di spirito, ma percepita come l'unico confessore rimasto. -
Agata Leocata Tecnica: Olio su tela Anno: 2026 Dimensione: 50 x 40 cm Descrizione: Un maiale dal look punk-glam — segnato da un audace ciuffo blu — mastica la sua stessa contraddizione mentre enuncia un dogma impossibile: "Sono vegano". L'artista utilizza il linguaggio della Pop Art non per celebrare il consumo, ma per sbeffeggiare l'ipocrisia performativa della società contemporanea. Il pesce in bocca diventa il simbolo del "fatto" che viene annullato dalla "narrazione": non importa cosa stiamo facendo, conta solo l'etichetta che decidiamo di attaccarci addosso per sentirci etici. È un attacco frontale alle eco-follie di facciata e alla cultura dell'apparire, dove la realtà è un optional e la coerenza è morta sotto i colpi di un claim pubblicitario. Qual è il pesce che stiamo nascondendo tra i denti mentre ci proclamiamo puri? -
Tecnica: Mixed Media Anno: 2024 Dimensione senza cornice: 64 x 71 cm Descrizione: This work speaks of the resilience of women. It is a painting of a strong woman I know that battles breast cancer. She is an inspiration. -
Tecnica: Mixed Media on canvas Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 70 x 100 cm Descrizione: This work speaks of the resilience of women. It is a painting of a strong woman I know that battles breast cancer. She is an inspiration. -
Holyaphrodite Tecnica: Olio in tela Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 30 x 14cm Descrizione: Il dipinto esplora il mito di Medea nel suo rituale di vendetta, mentre mormora gli incantesimi, il velo del suo destino ineluttabile rimane teso, mentre osserva la ciotola in cui le costellazioni si immergono e ruotano. -
Tecnica: Olio su tela Anno: 2026 Dimensione senza cornice: 150 x 80 cm Descrizione: Ritratto -
Cornet Marie-Elisabeth Tecnica: Huile sur toile (oil on linen) Anno: 2015 Misure: 150 x 115 cm Descrizione: Una bambina, chiaramente di origine africana, passeggia in un giardino pubblico francese. Lei porta una enorme corona chiusa, come quella che portava la regina Elisabetta d'Inghilterra. Ci guarda negli occhi un po' con scaramuccia. Proprio dietro di lei, un bambino (il suo fratellino?) a malapena visibile, ci guarda con una palla da calcio. Questi due bambini gloriosi e orgogliosi sono circondati da una vegetazione rigogliosa come quella che si trova nei giardini europei in estate. L'opera è dipinta con colori molto vivaci (verde tenero, giallo, porpora e viola). Guardano gli adulti che li osservano. Quale sarà la natura di questo scambio? -
Franca Tecnica: Mista Anno: 2026 Dimensione senza cornice: 38 x 48 cm Descrizione: Giardino d'inverno è l'insieme di materiali che non si direbbe avere nulla in comune ma in realtà si sono mescolati con unicità. Lo stucco ha fatto da supporto materico ma delicato al pigmento e le campanule essiccate sono l'elemento decorativo per questo non ritratto. -
Federico Chiesa Tecnica: OLIO SU TELA Anno: 2025 Dimensione: 70 x 50 cm Descrizione: Ritratto femminile a mezzo busto, costruito attraverso un equilibrio tra campiture morbide del volto e pennellate più dinamiche dello sfondo. I colori caldi che circondano la figura definiscono uno spazio cromatico vibrante, mentre lo sguardo laterale del soggetto introduce una dimensione di silenziosa concentrazione. -
Holyaphrodite Tecnica: Olio in tela Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 35 x 28 cm Descrizione: La dea alchemica è, nella sua essenza, il desiderio stesso, o Eros, trasfigurato in ispirazione e in atto creativo. Un salmo del corpo e dello spirito che conduce, passo dopo passo, all’iniziazione finale: il sé dell’individualità. Ascoltare l’ispirazione che sorge dal profondo, che dà voce e rivela la realtà ultima del proprio essere, richiede un atto di fede raro. Questo simbolismo si intensifica nella figura della dea dell’amore avvolta nelle corde, una vulnerabilità tenuta in equilibrio dalla questa fiducia assoluta del proprio essere. Una devozione che ha ben poco a che fare con un credo intellettuale o una convinzione razionale: è piuttosto fede, o dedizione, alla saggezza di quella scintilla interiore che agisce da sé, di questo desiderio, voce, giustezza interiore che esiste completamente al di fuori del nostro controllo cosciente. -
Dominique de Bellefroid Tecnica: Oil on linen Anno: 2025 Misure: 30 x 40 cm Descrizione: The Ixelles Shroud is a nod to James Ensor’s painting “Christ’s Entry into Brussels in 1889.” Ixelles is a municipality of Brussels where my studio is located. The face of Christ is barely perceptible—only those who are sensitive to it can see it. -
Grazia Barbieri Tecnica: Olio su tela Anno: 2025 Dimensione: 75 x 95 cm Descrizione: Si tratta di una delle opere appartenente ad un progetto più ampio dal titolo "Geometrie". -
Zaira Scarpinato Tecnica: Olio su tela Anno: 2025 Misure: 40 x 40 cm Descrizione: In un mondo d'asfalto questo quadro vuole ricordare una verità dimenticata: la Natura non è un luogo da visitare, ma l'unica condizione della nostra sopravvivenza. Primordiale, ma mortale. In questo fluire di linfa vitale, le meduse rappresentano l'incarnazione delle due anime presenti: l'anima vegetale e l'anima umana non sono più entità distinte, ma si fondono per rivelare un'uguaglianza profonda. Il cuore pulsante dell’opera risiede in un gesto sospeso: l’uomo non osa toccare la pianta. L’uomo la scorge, ne riconosce il respiro e si arresta sulla soglia di un mistero che rifiuta di essere assoggettato; egli sceglie di ammirare l’essenza anziché possederla. In questo silenzio svanisce il dominio e sboccia una connessione nuova: quella di chi sa finalmente guardare senza pretendere di possedere. Descrizione: Una scena costruita si svolge davanti a una vetrina di Victoria’s Secret, dove alcune suore occupano uno spazio solitamente associato al desiderio consumistico iper-femminile. Basato su una fotografia scattata alla Stazione Termini, il dipinto mette in relazione la modestia religiosa con la sessualità commercializzata, rivelando i quadri rigidi e spesso contraddittori attraverso cui le donne vengono percepite. L’opera riflette su come le aspettative sociali costruiscano, giudichino e limitino l’identità femminile in ruoli apparentemente opposti. -
Cornet Marie-Elisabeth Tecnica: Huile sur toile (oil on linen) Anno: 2015 Misure: 150 x 115 cm Descrizione: L'opera rappresenta due donne che sostengono un utero trionfante. Personaggi circolano intorno a questo organo femminile, dove la vita inizia, dove nulla è ancora definito, dove è scritto "'qui tutto è ancora possibile": possibile inventare un mondo senza guerra, un mondo armonioso. Questi personaggi rappresentano quello che io considero il percorso della vita di un essere umano. partono da destra e girano: l'uomo è bambino, gioca, ama, ha amici, gioca a fare il soldato, poi quando passa dall'altra parte (a sinistra dell'utero), dal lato della vita adulta, diventa lui stesso un soldato, fa la guerra, massacra suo fratello, è vecchio, in un bagno di sangue, sostenuto da sua moglie, e termina il suo viaggio sulla terra guardandosi nell'acqua di una vasca, di fronte al bambino che sembra chiedergli: Perché? -
Ilary Tiralongo Tecnica: Mista (acrilico, olio) su tela Anno: 2025 Misure: 20 x 30 cm Descrizione: Raccontava mia nonna di quando il fiume era per le donne siciliane un luogo di fatica e molto più: era luogo di incontro e scambio. Ci si confidava, ci si sosteneva — mentre le mani lavoravano l'acqua e i panni. "Al fiume" ritrae questo doppio tempo, quello del corpo che suda e quello dello spirito che si relaziona. Una figura sola che contiene tutte le altre: la fatica come rituale, la comunità come sostegno. -
Ilary Tiralongo Tecnica: Mista (acrilico, inchiostro, olio) su tela Anno: 2025 Misure: 40 x 50 cm Descrizione: Nelle campagne siciliane, fino alla metà del Novecento, la raccolta del gelsomino era un lavoro quasi esclusivamente femminile: la notte, per non rovinare l'aroma, erano donne e bambine a raccogliere le candide stelle. "Gelsominaie" rende omaggio a queste persone, e al momento in cui decisero di opporsi allo sfruttamento della loro mano d'opera: come accadde a Milazzo negli anni Quaranta, gli scioperi, la rivolta di chi chiedeva rispetto e parità salariale. In Gelsominaie, il colore esplode come un atto di resistenza, i corpi si moltiplicano e si fondono con la terra. -
Marina Biagini Tecnica: Olio su tela Anno: 2025 Misure: 30 x 22 cm Descrizione: Ho dipinto il momento in cui i pensieri si impossessano completamente di noi e il corpo si abbandona come nel sonno e sogna come nel sonno anche se siamo ancora svegli. Come quando guardiamo un film. -
Marina Biagini Tecnica: Olio su tela Anno: 2026 Misure: 50 x 100 cm Descrizione: La voglia di dipingere un soggetto parte sempre da qualcosa che vedo o credo di vedere. Così è stato per questo non ritratto: avevo un profilo che mi interessava e ho deciso di rappresentarlo con questi rossi che dal turbante si trasferiscono anche sul kilim. E raccontano qualcosa. Un momento, un luogo, ognuno ci vedrà la sua storia. -
Olga Svinarenko Tecnica: Olio su tela Anno: 2026 Misure: 70 x 50 cm Descrizione: Qui la femminilità emerge come frammento antico e presenza eterna. La testa marmorea della dea della bellezza, segnata dal tempo e dalle crepe, diventa metafora della memoria, della vulnerabilità e della resilienza femminile. La rondine, simbolo di rinascita e libertà, ma anche della fedeltà e focolare si posa leggera sulle parti mancanti, ricucendo ciò che il tempo ha spezzato. L’opera riflette una femminilità che non si definisce attraverso la perfezione, ma attraverso la capacità di trasformare le ferite in un luogo di nuova forza e silenziosa poesia. È un incontro tra fragilità e la forza vitale della rinascita, tra ciò che resta e ciò che ritorna a vivere. -
Viola Bąbol Tecnica: Oil on canvas Anno: 2026 Dimensione: 20 x 20 cmDescrizione: A nostalgic portrait of a woman's face in warm shades of yellow and orange, with a yellow color scheme. The painting combines contrasting colors with visible brushwork to emphasize its calm, yet expressive, slightly abstract character. -
Wiktoria Nina Lis Tecnica: Oil on canvas Anno: 2026 Dimensione: 20 x 20 cmDescrizione: The work was inspired by my trip to Sri Lanka. Several cows wander freely across a quiet courtyard in Sri Lanka, creating a calm and almost timeless scene. Set against modest surroundings, they reflect the simplicity of rural life. The atmosphere feels warm and serene, with a strong connection between the animals and their environment. -
Monica Zambon Tecnica: Olio Anno: 2025 Dimensione: 20 x 20 x 4 cmDescrizione: Il ranocchio attende che una Principessa gli dia un bacio, affinché lui possa trasformarsi in un Principe.
