Gianpiero Casetta Tecnica: Polaroid sx 70 Anno: 2023 Dimensione: 8,9 x 10,2 cm Descrizione: Opera composta da 4 polaroid in serie -edizione limitata di un solo pezzo Questa serie di immagini esplora la fusione tra il corpo umano e l'ambiente abbandonato, utilizzando il corpo nudo come simbolo di vulnerabilità e purezza in contrasto con la decadenza degli spazi dimenticati. Le quattro immagini sono un viaggio visivo che cattura il delicato dialogo tra luce naturale e ombra, dove il corpo si inserisce come un elemento vivente in un paesaggio di rovine e silenzio. Nelle quattro immagini, la luce naturale, che entra in modo intermittente dagli spazi distrutti, gioca con la figura umana, creando un contrasto drammatico che mette in risalto la morbidezza e la fragilità del corpo. Ogni immagine è una riflessione sulla relazione tra la carne e lo spazio, come se la luce stessa fosse un momento di sacralità in un luogo desolato. Le polaroid, con la loro estetica immediata e analogica, enfatizzano l’autenticità del momento. Qui, la luce non è solo un elemento esterno, ma un’entità che scava nello spazio, rivelando una tensione tra la forma del corpo e l’ambiente circostante. **Tecnica concettuale:** La tecnica utilizzata per questa serie è un incontro tra analogico e concettuale, in cui la fotografia istantanea delle polaroid funge da strumento per catturare l'effimero e il temporaneo. La luce naturale, elemento primordiale e irripetibile, è la vera protagonista di queste opere, ed è trattata come una lama che penetra e scolpisce il corpo e l'ambiente. La scelta di lavorare in spazi abbandonati non è casuale, ma un’analisi della tensione tra il corpo, che è vivo e organico, e l’ambiente che è in fase di disintegrazione. La luce che filtra nelle stanze in rovina rappresenta il momento di transizione tra il passato e il presente, un atto di illuminazione che dona sacralità a ciò che è destinato a svanire.

Gianpiero Casetta     Tecnica: Fine art giclée Anno: 2020 Dimensione:  29,7 x 42 Descrizione: Questa stampa fine art esplora l'incontro tra il corpo e l'architettura con la stessa intensità sospesa di un sogno interrotto. La modella, nuda contro una parete di cemento, diventa un’ombra viva, un’anima intrappolata nel tempo che si dissolve lentamente nell’ambiente. La parete, spoglia e geometrica, sembra respirare con la stessa calma inquietante della sua figura, creando un contrasto tra la solidità dei suoi angoli e la fragilità del corpo che vi si adagia. La lama di luce, che scende in diagonale come un taglio di silenzio, scolpisce la carne con una precisione struggente, illuminando solo ciò che è più intimo, più nascosto: il contorno del seno, la curva della spalla, l’ombra del collo. È una luce che non svela, ma suggerisce, che non abbraccia, ma separa, come un riflesso di ciò che è perduto e non può più tornare. Il corpo, sospeso tra la geometria rigida della parete e la morbidezza della luce, sembra l’ultima testimonianza di un tempo che ha smesso di esistere, come un fantasma che tenta di ricordare di sé. La stampa è un invito a esplorare la bellezza che nasce dalla decadenza, a riflettere sulla sacralità di ciò che è destinato a svanire, ma che, per un attimo, resiste e si fa arte. L’illusione della solidità, in questo spazio di abbandono, è spezzata dalla luce che taglia, come un desiderio troppo forte per essere trattenuto, ma che lascia un’ombra profonda, un ricordo che persiste nel vuoto.