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Ombre dal Passato Tecnica: Fotografia Dimensione: 50 x 70 cm Anno: 2019 Descrizione: Panzer Kaserne. Gigantesca caserma abbandonata che vive ancora con i suoi graffiti. -
Michal Barilik Tecnica: Digital mixed media composition, layered freehand drawing, symbolic assemblage and text implementation using digital tools Dimensione: 3630px x 6022px Anno: 2017 Descrizione: A horned skull suspended between memory and collapse, centered on a fragmented landscape, "The Cosequence" is a window into a grief, guilt and self-confrontation. The work examines the psychological pressure created when loss, responsibility, resentment and self judgment coexist in the same emotional space. Symbols of fracture and self destructive behaiour appear throught the composition while the color structure reflects a destabilized perception of reality and identity. This visualisation approaches emotional aftermath as a prolonged state in which the future, meaning and self image must be reconstructed from the ruin. -
Ombre dal Passato Tecnica: Fotografia Dimensione: 50 x 70 cm Anno: 2019 Descrizione: Barenquell Brauerei. All'interno di un gigantesco birrificio. Le mie esplorazioni preferite: vecchie fabbriche, l'impressione di essere in una astronave piena di graffiti e macchinari arrugginiti. -
Angelica Doe Tecnica: Tecnica mista, pastelli ad olio in digitale e collage digitale Dimensione: 50 x 50cm Anno: 2026 Descrizione: “Anatomia frammentata” rappresenta un colombo il cui ventre è stato squarciato, simbolo di una purezza morta e decomposta, da un immenso dolore, la sua figura è ulteriormente spezzata in frantumi, segno che il dolore ha lasciato un segno indelebile, una rottura mentale e psicologica che l’ha mutato per sempre e che continuerà a decomporsi. Submission format -
Angelica Doe Tecnica: Tecnica mista, pastelli ad olio in digitale e collage digitale Dimensione: 50 x 70cm Anno: 2026 Descrizione: “Il sarto del dolore” è un opera dal doppio significato, il conflitto interiore, dove il merlo disegnato in digitale con pastelli ad olio rappresenta i pensieri cupi e la logica fredda, legata all’emotività viscerale rappresentata del cuore di carne. Il merlo è morto e privo di occhi, segno che la mente non è più in grado di ragionare come dovrebbe e il cuore di carne, ormai privato della capacità di analizzare i sentimenti, assorbe il suo sangue, le forbici provano a tagliare questo collegamento ma il sangue continua a scendere redendo difficile se non impossibile la guarigione. Il secondo significato riguarda il distacco, una rottura dolorosa ma necessaria, il superamento di un ossessione e la necessità di separar e la mente ormai logora dai sentimenti. I due significati possono a suo volta essere collegati l’un l’altro, rendendo l’opera un segno della volontà di concludere un circolo vizioso autodistruttivo. -
Simran Kaushal Tecnica: Acrylics on Canvas Dimensione: 50cm x 70cm Anno: 2026 Descrizione: Explores the delicate balance between surrender and strength. The poised form, illuminated by the play of light and shadow, reflects the vulnerability and power found in letting go. It captures the intimate act of positioning trust in another, a moment of connection where physicality and emotion intertwine, evoking a sensual narrative of unity and surrender. Modalità di partecipazione -
Loredana Di CianniTecnica: Acrilico su telaAnno: 2026Dimensione senza cornice: 50×60 cmDescrizione: Le quattro ViVe sorgono da da una cacofonia chiassosa di colore e sono alchemiche e urlano Vita e scelgono. -
Loredana Di CianniTecnica: Acrilico su telaAnno: 2025Dimensione senza cornice: 50×60 cmDescrizione: Una ViVa iper colorata che si definisce autoritratto , occhi chiusi e Anima aperta. -
Evgeniaa RodinaTecnica: acrilico su telaAnno: 2024Dimensione senza cornice: 50×70 cmDescrizione:Summer dance — a summer evening: a lot of freedom, joy, and movement. This work is a part of my project “Weightless Gravity” is an attempt to capture and express an inner state. There’s a world without rules or gravity Inside each of us. We often feel love and fear at once, relief mixed with anxiety, stillness coexisting with inner turbulence. Emotions layer, blur and flow. This series of abstractions is a way to give form to the formless. In my work, I let the paint flow, I clash colors together, mix them roughly or let them move on their own — like emotional states that can’t be controlled, only lived through. “Weightless Gravity” is a space where feelings aren’t explained — they just are . Everything here is real, even if it makes no sense. Everything is abstract. It’s about living through it. -
Eli MARS Sculptor© Tecnica: Artwork on acrylic glass (plexiglass), UV fine art print Anno: 2025 Dimensione: H. 49.5 × W. 80.0 × D. 1.3 cm Descrizione: BUTTERFLY IN THE CITY (green) explores the city as a symbolic and living territory where geometry gradually reveals an inner landscape. At the heart of the composition, the recessed outline of butterfly wings emerges from a rigorous geometric structure, creating a space of transformation, balance and renewal. Rather than depicting an urban landscape, the work suggests that every contemporary city also contains an invisible world shaped by memory, identity and imagination. The vibrant dialogue between lemon green, magenta and luminous yellow reinforces this dynamic, expressing both the energy of metropolitan life and the possibility of harmony within complexity. The butterfly becomes a silent presence, opening a poetic space of breathing and freedom amid the density of the urban environment. The composition originates from the intermediate geometric form developed for EXTRAPOLATED WORLD (the transitional figure between the inscribed square and the circle). This form was extrapolated into a Golden Rectangle, then divided into four quadrants that underwent successive geometric transformations: axial tension applied to the two principal edges and, on two diagonally opposed sections, a double mirror process. From this constructive process, the butterfly gradually emerges as the natural outcome of the geometry itself. Originally conceived as the second panel of a diptych created for the Museum of Art and Science in Milan (November 2024), the work received a Certificate of Artistic Merit. Although born within that project, BUTTERFLY IN THE CITY (green) stands today as a fully autonomous artwork. -
Vita Mel Tecnica: Olio su tela Anno: 2026 Dimensione: 30 x 40 cm Descrizione: L’opera raffigura una mucca con il suo vitello, i cui corpi sono decorati con motivi che richiamano la fragilità della porcellana di Delft. Questa scelta visiva crea un forte contrasto tra la forza dell’animale e la fragilità dell’esistenza. Attraverso lo sguardo tra madre e cucciolo, il dipinto mette in luce il legame più puro, istintivo e protettivo del mondo animale, ricordandoci quanto sia prezioso e delicato l’equilibrio della vita. -
Nicoletta Zuppa Tecnica: Acrilico su tela Anno: 2026 Dimensione: 70cm x 50cm Descrizione: -
Catalina Ceparu Tecnica: Digital illustration Anno: 2026 Dimensione: 60 x 60 cm Descrizione: This was inspired by my grandfather, who after a day's work, used to take his horse for a ride – to wander around, to let it run in the open fields, to graze pastures. He had a deep relationship with his horse, and sometimes the horse felt more like him than his human form. Questo lavoro è ispirato a mio nonno che, dopo una giornata di lavoro, era solito portare il suo cavallo a passeggiare: vagavano senza meta, lasciandolo correre libero nei campi aperti e pascolare nei prati. Aveva un rapporto profondo con il suo cavallo e, a volte, sembrava che quell’animale lo rappresentasse più della sua stessa forma umana. -
Catalina Ceparu Tecnica: Digital illustration Anno: 2026 Dimensione: 60 x 60 cm Descrizione: This is inspired by a story my grandmother told me: when she was little and the nights were long and cold, they used to bring animals inside the house to sleep, so that they won't freeze. As I worked on it, it slowly transformed and became about how we hide our most wild parts of ourselves, and how peaceful it feels when we embrace something that we thought was dangerous. Questo lavoro è ispirato a una storia che mi raccontava mia nonna: quando era bambina e le notti erano lunghe e fredde, portavano gli animali dentro casa per farli dormire, così che non morissero di freddo. Mentre ci lavoravo, il significato si è trasformato lentamente ed è diventato una riflessione su come nascondiamo le parti più selvagge di noi stessi e su quanto possa essere rasserenante accogliere qualcosa che abbiamo sempre considerato pericoloso. -
Maciej Rauch Tecnica: oil on canvas Anno: 2025 Dimensione: 80x80cm Descrizione: 'Paradise III' presents a paradisiacal landscape revealed through a painted tear in the canvas. The opening acts as a portal to another reality – a place of peace, harmony, and hope that appears to be within reach. Rather than representing a distant fantasy, this hidden world symbolizes an inner refuge that can offer comfort during difficult moments. It suggests that even in times of uncertainty, there remains a possibility of beauty, renewal, and emotional healing. Suspended between dream and reality, the work invites viewers to imagine a world beyond everyday limitations. The portal becomes a symbol of hope, reminding us that another perspective, a new beginning, or a better place may be closer than we think. -
Maciej Rauch Tecnica: oil on canvas Anno: 2025 Dimensione: 50x50cm Descrizione: 'The Hollow Gentleman' depicts an elegant figure reminiscent of a magician from a forgotten dream. Dressed in timeless attire and surrounded by a nostalgic atmosphere inspired by the aesthetics of the 1980s, he appears suspended between memory and imagination. In place of a face, an opening reveals the vastness of cosmic space. This absence transforms the figure into a symbol of mystery, inviting reflection on identity, inner worlds, and the infinite dimensions hidden beneath appearances. Blending romance, nostalgia, and surreal imagery, the painting explores the idea that every individual contains an unseen universe – a space filled with memories, dreams, and possibilities beyond the limits of the visible world. -
ESHANA Tecnica: Cyanotype Anno: 2026 Dimensione: 60CMX40CM Descrizione: L’opera Obsession indaga la riconciliazione tra la sfera interiore dell'individuo e l'ambiente circostante. Dopo un percorso di consapevolezza e centratura, la figura femminile viene ritratta in uno stato di totale abbandono, a occhi chiusi, pronta a ricevere l'esterno non più come una minaccia, ma come un alleato. Il fulcro simbolico della composizione è la mano maschile che emerge dal fondo materico: essa rappresenta l'antropomorfizzazione dell'ambiente. Il gesto, d'una delicatezza estrema, si muove sul confine tra la protezione e la seduzione, ridefinendo i contorni del volto. L'opera suggerisce un profondo ribaltamento psicologico: è solo quando il soggetto riconosce le proprie potenzialità interne che l'esterno risponde, mutando il proprio iniziale "grigiore" in un atto di accoglienza. La mano che accarezza diventa così il simbolo di un ambiente che riconosce l'individuo, lo convalida e lo accetta come parte integrante e vitale dell'ecosistema relazionale ed esistenziale. -
ESHANA Tecnica: Cyanotype Anno: 2026 Dimensione: 60CMX40CM Descrizione: L’opera Doroteo indaga il rapporto tra lo stato mentale dell'individuo, i suoi meccanismi di difesa e l'accesso alla saggezza interiore. La figura femminile, colta in un profilo di intensa espressività, appare inizialmente assorbita dal proprio tumulto psicologico, simboleggiato dalle nubi scure che la circondano. Eppure, le sue mani afferrano una tartaruga, antico archetipo di saggezza e condizione primaria interna. Il fulcro narrativo dell'opera risiede nel sorriso della donna: è il momento esatto in cui cessa la resistenza verso la propria condizione mentale e ne vengono intraviste le potenzialità. L'opera suggerisce come le "parti" psicologiche create nel tempo per proteggere il Sé (l'ansia, la paura, il senso di disadattamento rispetto al mondo esterno) finiscano spesso per bloccare la vitalità profonda dell'individuo. Attraverso il riconoscimento e l'accettazione di questo buio, le difese si rilassano. L'atto di afferrare la tartaruga diventa così il simbolo di una riconnessione globale, in cui la centratura interiore permette un nuovo e consapevole adattamento verso l'esterno. -
ESHANA Tecnica: Cyanotype Anno: 2026 Dimensione: 60CMX40CM Descrizione: Dissolvenza esplora il tema della frammentazione del sé e la complessa ricerca di un'unità interiore. L’opera prende forma nel silenzio della meditazione, rivelandosi attraverso l’alchimia e la dilatazione temporale tipiche della cianotipia. L'immagine evoca una scomposizione controllata, il ricordo di una "morte necessaria": quella del confine geometrico che separa l'individuo dall’infinito. Il corpo sembra sciogliersi nell’acqua, traducendo la paura in una pace blu e profonda, mentre un urlo sommerso resta custodito sotto la superficie. Quella che a uno sguardo superficiale potrebbe apparire come fragilità si rivela, in realtà, l'inizio di una metamorfosi: il passaggio catartico dalla malinconia all’arte.
