Arteaporte
  • Chiara Scolastica Mosciatti Tecnica: olio e acrilici su tela Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 40 x 50 cm Descrizione: Malìa giorno e notte tra le onde e le dune la luna negli occhi e una barca nell'orecchio, su una pala di fico d'india si vede riflessa e non sa più vivere qua.  
  • Federica Comite Tecnica: Illustrazione digitale Anno: 2022 Dimensione: 20 x 20 cm Descrizione: La forza della voce capace di germogliare all’interno di ognuno di noi per poi crescere e scagliarsi robusta come un albero all’interno di chi ascolta.
  • Vuoto Ionico

    435,00 
    Chiara Scolastica Mosciatti Tecnica: olio e acrilici su tela Anno: 2023 Dimensione senza cornice: 18cm x 24cm Descrizione: Un cielo e abbacinante e un mare terso fanno un assoluto. In questo assoluto non si può essere meno che titani, o pietre o tornare pesci. Vuoto ionico.  
  • Addosso

    725,00 
    Chi? Tecnica: Digitale; disegno a mano libera con Procreate Anno: 2025 Dimensione: 50 x 50 cm Descrizione:
    Ciò che sento vive nascosto dentro di me, ma spesso è cosi forte che me lo porto addosso come un abito.
  • Cry Me A River

    1.595,00 
    Ekin Buyuksahin Tecnica: Oil and oil pastel on canvas Anno: 2024 Dimensione senza cornice: 18 x 28.5 cm  Descrizione: This painting depicts a solitary figure suspended within an inner void, its eyes continuously weeping yet rendered with a distant, fixed gaze. The figure appears to have accepted its own loneliness, embodying a quiet state of emotional resignation rather than overt despair. Through restraint and stillness, the work reflects on inner emptiness, vulnerability, and the persistence of unspoken sorrow.  
  • Between Us

    1.595,00 
    Ekin Buyuksahin Tecnica: Acrylic on canvas Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 25 x 25 cm  Descrizione: This painting presents two individuals existing side by side in a state of full exposure and presence. Regardless of what they have experienced or may yet encounter, the figures embody mutual acceptance, acknowledging one another in their entirety. Through proximity and stillness, the work reflects on intimacy, coexistence, and the quiet resilience of shared being.  
  • Ekin Buyuksahin Tecnica: Fabric and Acrylic on canvas Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 25 x 25 cm (each) Descrizione: Écoute-moi is a diptych depicting two figures positioned in a reciprocal relationship of listening. The figures are constructed using muslin fabric adhered to the canvas with gesso, creating a tactile surface that emphasizes material presence. Dry pastel and acrylic are applied to define form and tone. Through this dual composition, the work examines the need for mutual recognition, communication, and attentiveness between individuals.  
  • Blu III

    116,00 
    Rita Borsari Tecnica: Collage con foto stampate su carta semplice, pastelli acquerellabili, pastelli a cera acquerellabili e acrilici su carta Anno: 2025 Dimensione senza cornice: 23,9 x 33 cm Descrizione: Una mano che tappa una bocca, non per togliere voce ma per fermare il tempo, vivere il desiderio, lasciare libero l’erotismo che abita i corpi, lasciare che ciascuno si esprima con i propri colori.  
  • Respiro

    73,00 
    Rita Borsari Tecnica: Pastelli a cera acquerellabili su carta Anno: 2026 Dimensione senza cornice: 24 x 32 cm Descrizione: Un volto senza sguardo, non perché bloccato da sovrastrutture che rendono ciechi ma per una scelta di distanza, assenza. È la necessità di respirare e allontanarsi da un quotidiano che rende l’anima pesante ed immobile.  
  • Auto-retrato

    254,00 
    Beatriz Prada Tecnica: Olio su tela Anno: 2025 Dimensione: 21 x 15 cm  
  • Cement Blanche Tecnica: Expanded polyethylene, faux leather scraps, cotton lining Anno: 2025 Dimensione: 33 x 32 x 40 cm Descrizione: Stackable totem mask, container for multiple versions of Valentina, her bedside bed monster. The work revolves around the different skins we wear depending on the individuals, groups, family or contexts with which we interact every day. Each of us is the projection of ourself and others’ perception, every single moment of our life. It explores the concept of persons as containers of personalities that we ourselves and others fill, more or less consciously and more or less voluntarily depending on the situation. From this process of double mirroring the idea of oneself and others, of self-imposed or external construction/constraint of roles and personality aspects, big cylindric heads were born. The heads can be put up-side down and used as containers for clothes and objects related to the endless skins we are asked or we ask ourself to wear, but they are also stackable and can be part of a multi-faceted totem, venerated like in a sort of grotesque social rituals of moving from one identity to another. Taking inspiration from the writings of Fernando Pessoa, who invented his multiple personalities, each identified with a specific name and specific characteristics, the totem heads were called Heteronomies. A handful of grams for a foppish cartoon drawing like smile, a light but heavy box, a protection and an obstacle at the same time.
  • Cement Blanche Tecnica: Expanded polyethylene, faux leather scraps, cotton lining Anno: 2025 Dimensione: 33 x 32 x 40 cm Descrizione: The work revolves around the different skins we wear depending on the individuals, groups, family or contexts with which we interact every day. Each of us is the projection of ourself and others’ perception, every single moment of our life. It explores the concept of persons as containers of personalities that we ourselves and others fill, more or less consciously and more or less voluntarily depending on the situation. The heads can be put up-side down and used as containers for clothes and objects related to the endless skins we are asked or we ask ourself to wear, but they are also stackable and can be part of a multi-faceted totem, venerated like in a sort of grotesque social rituals of moving from one identity to another. Taking inspiration from the writings of Fernando Pessoa, who invented his multiple personalities, each identified with a specific name and specific characteristics, the totem heads were called Heteronomies. A handful of grams for a foppish cartoon drawing like smile, a light but heavy box, a protection and an obstacle at the same time.
  • Mirada

    218,00 
    Giuseppina Abbamonte Tecnica: Tempera su cartone telato Anno: 2025 Dimensione: 33 x 40 cm Descrizione: La mirada è un gesto fondamentale nei codici del Tango Argentino, gioco sensuale fatto di sguardi, un uomo cerca con lo sguardo una donna, lei nota lo sguardo e capisce l'intenzione dell'uomo di voler ballare con lei, può accettare o rifiutare: per accettare basta un gesto del capo di assenso, il cabaceo.
    La mirada non è solo una prerogativa dell'uomo, anche la donna può cercare con uno sguardo l'attenzione dell'uomo con cui desidera ballare.
  • Giuseppina Abbamonte Tecnica: Tempera su cartone telato Anno: 2025 Dimensione: 30 x 42 cm Descrizione: Ho cercato di cogliere la dolcezza di mia figlia e mia madre in un abbraccio sincero ed è nata una riflessione sulle generazioni che qualche volta, spesso, si ignorano reciprocamente e smettono di apprendere l'una dall'altra tutte le meraviglie che possiedono.
  • Symbiosis

    609,00 
    EVE Art Project Tecnica: Acrilico su carta Anno: 2024 Dimensione: 42 x 56 cm Descrizione: Questo dipinto fa parte della serie “Hybrids”. Questa serie ritrae la trasformazione fisica dell’essere umano in un contesto di fusione con la natura. Vengono ritratte nuove identità, unificate e inseparabili dalla natura e viceversa. Questi ritratti vogliono celebrare e rafforzare il concetto di reciprocità, di legame viscerale, emotivo e spirituale tra l’essere umano e la natura. È un messaggio sull’urgenza di una nuova armonia con il pianeta, sulla necessità di riscoprire una connessione profonda con l’ambiente naturale. Allo stesso tempo, questa “simbiotica mutazione” rappresenta un viaggio interiore, un cambiamento di mentalità che fa da ponte tra l’individuo e tutto ciò che lo circonda, tra il passato e il futuro, tra ciò che siamo e ciò che potremmo diventare.
  • Symbiosis V

    435,00 
    EVE Art Project Tecnica: Acrilico su carta Anno: 2025 Dimensione: 29,7 x 42 cm Descrizione: Questo dipinto fa parte della serie “Hybrids”. Questa serie ritrae la trasformazione fisica dell’essere umano in un contesto di fusione con la natura. Vengono ritratte nuove identità, unificate e inseparabili dalla natura e viceversa. Questi ritratti vogliono celebrare e rafforzare il concetto di reciprocità, di legame viscerale, emotivo e spirituale tra l’essere umano e la natura. È un messaggio sull’urgenza di una nuova armonia con il pianeta, sulla necessità di riscoprire una connessione profonda con l’ambiente naturale. Allo stesso tempo, questa “simbiotica mutazione” rappresenta un viaggio interiore, un cambiamento di mentalità che fa da ponte tra l’individuo e tutto ciò che lo circonda, tra il passato e il futuro, tra ciò che siamo e ciò che potremmo diventare.
  • Gioco di sguardo

    1.740,00 
    Antonio Dibennardo Tecnica: Olio su tela Anno: 2016 Dimensione: 50 x 70 cm Descrizione: Si dice che gli occhi sono lo specchio dell’anima. Attraverso questo autoritratto mostro solo una parte di ciò che sono. Una rappresentazione del reale di qualcosa che emerge dall’ombra, si fa vedere e comunica con chi osserva proprio attraverso l’espressione dello sguardo, uno sguardo che si lascia intravedere, che non cerca ma si mostra.
  • Self, Cultivated

    1.740,00 
    Kyra Fultz Tecnica: Oil on canvas, oil painting with blended transitions and surreal figurative composition. Anno: 2025 Dimensione: 45.7 x 71 cm Descrizione: This painting is a self-portrait. It is how I know myself to be, not a costume or disguise, but something raw, exposed, and natural. My facial features are human, while the rest of me takes the form of a tomato; this hybrid identity reflects how I experience myself as visible, vulnerable, and shaped by forces beyond my control.
    My artist name, PomodoroGirl, came to me during my time living abroad in Italy, a period of challenge and deep self-reflection. Long before that, I was "pomodoro" as a child, my face flushing deep red when my name was called, embarrassment and shame made immediately visible. Vulnerability came without warning, announced through color. In the painting, the tomato remains connected to its vine. The vine represents nurture, but also the system that cultivates, guiding growth while imposing expectations of readiness and usefulness. The tomato self exists in a moment of fullness, soft and exposed, not unripe and not yet aged. Red, perishable, and forgiving, the body becomes a portrait of identity as something that grows rather than remains fixed. This work explores the tension between nurturing and expectation, and how visibility, cultivation, and vulnerability shape our sense of self.
  • Federica Comite Tecnica: Illustrazione digitale Anno: 2025 Dimensione: 20 x 20 cm Descrizione: Rappresenta il potere che può avere il giudizio altrui se riesce a sovrastare il tuo essere catturandoti con la presa e con lo sguardo.
  • Nil Aksoy Tecnica: Digital Anno: 2025 Dimensione: 42 x 59.4 cm Descrizione: This piece was created as a reconstruction of someone I loved deeply—my mother—at the age I am now. Growing up, she would constantly ask me whether I had drawn her, whether her face lived somewhere in my sketchbook. After losing her in 2019, that question stayed with me, echoing in moments of silence. I never had a clear photograph of her from when she was my age, so this artwork is built from fragments: vague memories, family stories, and the few images that survived. It is not an exact portrait—it is a translation of longing. The grayscale palette is deliberate. After her passing, the world seemed to drain itself of color, as if the emotional spectrum I once inhabited collapsed into shades of black and white. This shift is symbolically tied to the lyrics written across the figure’s hair: “I see a red door and I want it painted black…” It was a song we used to listen to together—one that once filled the house with joy. Over time, its meaning transformed. What used to feel lively and playful became an elegy, mirroring the way grief quietly rewrites everything it touches. By integrating the handwriting into the hair, I wanted the music—and the memory of her singing—to feel woven into the body of the work, like something impossible to separate from identity. The figure’s expression carries a sense of distance, suspended between presence and absence, a reminder of how memory both preserves and distorts. It is a portrait not of a face, but of an emotional inheritance. This artwork is, at its core, an attempt to answer her old question. It is me finally saying: “Yes, I drew you. I draw you still.” It is an exploration of how loss reshapes visual language, how grief alters the colors we see, and how art can become a bridge between what remains and what has already slipped away.
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