earth pulse with unseen life, awakening new beginnings.
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Tecnica: Woodcut on paper Anno: 2024 Dimensione: 20.5 × 29.4 cm Descrizione: A landscape immersed in resplendent light, where time seems to stand still. Patterns of the -
Tecnica: Woodcut on paper Anno: 2024 Dimensione: 18.7 × 20.4 cm Descrizione: Glowing from within, the land is alive with vibrant energy. Naturebreathes, luminous and infused with renewal.
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Tecnica: Woodcut on paper Anno: 2024 Dimensione: 20.5 × 29.4 cm Descrizione: A vision of creation, where new life emerges through the paradox of sacrifice—a mysteryimbued with promise and the hope of renewal.
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A pressed botanical composition featuring the complementary and translucent colours of Primula vulgaris 'Belarina Rhapsody' petals as they expand in concentric ripples from the centre. -
A pressed botanical composition revealing the gradients of colour and form in the petals of Erysimum cheiri ‘Fire King’, shifting from luminous yellow to deep ember red across the flowering season. Grown from seed by the artist in Oxford. -
A pressed botanical composition tracking the colour, scale, and form transformations of Hydrangea macrophylla florets as they mature. -
Raphael M. Kleinstein Tecnica: Resina sintetica, dispersione, pigmenti Anno: 2026 Dimensione opera: 43cm x 28cm Descrizione: «Dopo le vacanze scolastiche» è un’opera scultorea composta da una riproduzione di una Foodbox e da una scultura di pera realizzata a mano. La combinazione tra la forma spaziale e la luce dipinta crea l’illusione di un oggetto di consumo quotidiano. La pera appassita viene presentata come un alimento prezioso e, in quanto simbolo di caducità e di valore, acquista una nuova dignità. -
"un barattolo di cielo" Un barattolo trasparente custodisce qualcosa che, in realtà, non si può custodire. Un frammento di cielo. Azzurro e bianco si intrecciano come nuvole sospese, trasformando un semplice zucchero filato in una materia leggera, quasi immateriale. Un oggetto quotidiano diventa così un piccolo contenitore di emozioni, un invito a guardare oltre ciò che appare. L’etichetta, come accade per ogni prodotto, ne racconta gli “ingredienti”. Ma qui, accanto allo zucchero, compaiono meraviglia, libertà, leggerezza, serenità, speranza, sogni, luce, pace, gratitudine e stupore. Sono questi, forse, i veri ingredienti del cielo. Un barattolo di cielo nasce da un gesto semplice: guardare in alto. Perché il cielo non si compra, non appartiene a nessuno e non conosce confini. È lì, sopra ognuno di noi, uguale e diverso ogni giorno. Questo lavoro invita a chiedersi: Se potessi davvero mettere un’emozione dentro un barattolo, quale sceglieresti? Un piccolo oggetto da osservare, aprire con l’immaginazione e, forse, assaggiare con gli occhi. Perché a volte abbiamo bisogno di ricordarci che la leggerezza esiste. Che la meraviglia esiste. Che, anche nei giorni più difficili, basta alzare lo sguardo. E il cielo è ancora lì. -
"un barattolo di cielo" Un barattolo trasparente custodisce qualcosa che, in realtà, non si può custodire. Un frammento di cielo. Azzurro e bianco si intrecciano come nuvole sospese, trasformando un semplice zucchero filato in una materia leggera, quasi immateriale. Un oggetto quotidiano diventa così un piccolo contenitore di emozioni, un invito a guardare oltre ciò che appare. L’etichetta, come accade per ogni prodotto, ne racconta gli “ingredienti”. Ma qui, accanto allo zucchero, compaiono meraviglia, libertà, leggerezza, serenità, speranza, sogni, luce, pace, gratitudine e stupore. Sono questi, forse, i veri ingredienti del cielo. Un barattolo di cielo nasce da un gesto semplice: guardare in alto. Perché il cielo non si compra, non appartiene a nessuno e non conosce confini. È lì, sopra ognuno di noi, uguale e diverso ogni giorno. Questo lavoro invita a chiedersi: Se potessi davvero mettere un’emozione dentro un barattolo, quale sceglieresti? Un piccolo oggetto da osservare, aprire con l’immaginazione e, forse, assaggiare con gli occhi. Perché a volte abbiamo bisogno di ricordarci che la leggerezza esiste. Che la meraviglia esiste. Che, anche nei giorni più difficili, basta alzare lo sguardo. E il cielo è ancora lì. -
Ogni lasciata è persa: lecca-lecca assalito da formiche, dolcezza e rimpianti. -
Wafaa Alhusain Tecnica: Digital Art (MRI Scan) Materials: MRI Scanner, pineapple, digital post-processing Anno: 2025 Dimensione opera: 20cm x 30cm Descrizione: This work follows a pineapple through a sequence of MRI slices, moving from the barely-there shadow of its crown down through the dense, fibrous architecture of its flesh. Where the eye sees a single solid fruit, the scan reveals something closer to a living structure — radiating fibers, internal chambers, a hidden anatomy that has nothing to do with how the pineapple is normally seen: cut, served, eaten. The sequence itself becomes the subject. Each slice shows the pineapple emerging a little more fully — first a faint outline barely visible in the dark, then the crown taking shape, then the full body of the fruit revealed in its internal detail. It mirrors how identity itself is rarely revealed all at once; it comes forward in stages, layer by layer, and what's underneath is often more intricate than the surface ever suggests. As with the rest of this series, the piece uses medical imaging — a tool built to look inside the human body — to look inside something as familiar as fruit, asking the viewer to slow down and really see an object usually consumed without a second thought. It continues the same throughline: that science can be a way of finding beauty, and that transformation and hidden identity exist everywhere, even inside the things we think we already know. -
Wafaa Alhusain Tecnica: Digital Art (MRI Scan) Materials: MRI Scanner, egg, digital post-processing.An egg was scanned using a 3 Tesla MRI scanner, capturing successive cross-sectional slices of its internal structure — no AI or digital alteration, purely the raw imaging data arranged into a sequential composition Anno: 2025 Dimensione opera: 20cm x 30cm Descrizione: Egglipse is about transformation and hidden identity. Just as the moon passes through phases — full, waning, hidden, returning — the egg is captured mid-transformation across a sequence of MRI slices, its yolk shifting and receding like a body moving through an eclipse. The work scans both a raw and a boiled egg — two eggs that look identical from the outside, yet reveal subtly different internal structures once imaged. This is the heart of the piece: two things can appear the same on the surface while holding entirely different stories inside — different histories, different emotional states, different struggles, shaped by what they've been through even when it isn't visible. The work sits at the intersection of science and beauty: using an imaging technology built for medicine, not art, to uncover what's hidden inside something as ordinary as an egg. It's a reminder that beauty and meaning don't require exotic subjects — they're already inside the things we overlook every day, waiting for a different way of seeing to bring them out. Egglipse asks the viewer to look at food, at the body, at each other — not as fixed and known, but as something whose interior story is never fully visible from the outside. -
Hannaneh Barikani Tecnica: Persian miniature painting using Gouache, watercolor, and 23-karat gold on handmade paper. Anno: 2025 Dimensione: 26.2cmx20.2cm Descrizione: A reinterpretation of The Universe through the visual language of Persian miniature painting. Remaining faithful to the card’s traditional symbolism, the work reinterprets many of its familiar motifs, reflecting their shared presence in the Sphinx, the vision of the Prophet Ezekiel, and later Iranian-Islamic traditions. Its corresponding symbolic attribute accompanies each of the four living creatures. At the center, the dancing figure is enclosed within an oval form and may also be read as an allusion to Shiva’s cosmic dance, through which creation is continuously sustained. The flowing scarf, gradually shifting from red below to blue above, symbolizes the movement of yin and yang through the body’s energetic channels. The outer frame, inspired by Persian miniature painting, emphasizes the beauty and sacredness of crossing the threshold into the world. -
Hannaneh Barikani Tecnica: Persian miniature painting using Gouache, watercolor, and 23-karat gold on handmade paper. Anno: 2025 Dimensione: 26.2cmx20.2cm Descrizione: A reinterpretation of The Tower through the visual language of Persian miniature painting. Remaining faithful to the card’s traditional symbolism, the work draws on a recurring motif found in Mesopotamian mythology and Iranian epic literature, most notably the Shahnameh: the downfall of the king and queen—symbols of the animus and anima—whose pride drives them to seek realms for which they are not yet spiritually prepared. The zigzagging flames descending from the sun and the shattered crown of the tower symbolize the descent of divine energy, revealing the limits of the unprepared seeker. This theme is echoed in the outer frame through the imagery of serpents and ladders, drawn from the Indian and Iranian game of Snakes and Ladders. The seeker ascends the ladder, but whenever the necessary inner transformation has not yet taken place, the serpent casts them back down. Yet this collapse is not an end but a necessary stage of transformation, where destruction becomes the beginning of renewal. -
Ermina Resić Tecnica: Combined intaglio printmaking on zinc plates using etching, aquatint, drypoint, and mixed intaglio processes. Printed by hand from original zinc matrices. Anno: 2015 Dimensione: 33 cm x 49 cm Descrizione: Work 2– Suit of Wands This series of prints explores the archetypal symbolism of the Tarot through the motif of landscape. Forests, trees, and pathways become metaphors for inner psychological states, memory, and the process of individuation. Rather than illustrating Tarot cards directly, the work transforms their symbolic essence into atmospheric visual spaces, inviting the viewer to engage in a personal and intuitive interpretation. -
Hannaneh Barikani Tecnica: Persian miniature painting using Gouache, watercolor, and 23-karat gold on handmade paper. Anno: 2026 Dimensione: 26.2cmx20.2cm Descrizione: A reinterpretation of The Hanged Man through the visual language of Persian miniature painting. Like the pause between inhalation and exhalation, or the silence between musical notes, the work portrays a moment of communion between the Higher Soul and the incarnated soul. A serpent replaces the rope, symbolizing both humanity’s descent into the material world and its spiritual ascent. At the same time, the blue arch—a traditional motif in Persian miniature painting—represents the celestial realm. The peacocks symbolize the Higher Soul; the hands below reach upward in longing for union, while the hands above descend in response, extending a helping hand. -
Alessandra Cioccarelli Tecnica: Collage con tecnica mista (smalto. carta stagnola…) Anno: 2026 Dimensione: 21x29,7 cm Descrizione: Collage dedicato all’archetipo del Mago, iniziatore del viaggio creativo e maestro della manifestazione. L’opera celebra la maestria, la volontà e la capacità dell’Arcano di trasformare le idee in realtà. È accompagnata da un haiku originale, stampato con caratteri a timbro. Gesto sapiente Mescolare l'impensabile Alchimia nuova p.s. L'idea è di incollare il testo con titolo haiku sul retro del collage (qui non l'ho ancora fatto per mostrarvelo in un'unica immagine) -
Alessandra Cioccarelli Tecnica: Collage con tecnica mista (carta, cartoncino e oggetti vari come bottoni, piume, cotone…) Anno: 2026 Dimensione: 21x29,7 cm Descrizione: Collage dedicato all’archetipo della Luna, madre cosmica dei Tarocchi. L’opera celebra il nutrimento invisibile e profondo che l’Arcano offre illuminando sogni, inconscio e intuizione. Il collage è accompagnato da un piccolo haiku originale, stampato con caretteri a timbro. Linfa che nutre culla dolcemente i miei sogni Ora ti sento p.s. L'idea è di incollare il testo con titolo haiku sul retro del collage (qui non l'ho ancora fatto per mostrarvelo in un'unica immagine) -
Violeta Tello Grau Tecnica: Poema en mazo de cartas fotográfico & cortometraje silente Anno: 2024 Dimensione: 7cm x 12 cm Descrizione: Después de dos años gestando las dos palabras mágicas este mes de mayo nace el mazo de cartas inspirado en el tarot y empezamos a proyectar el cortometraje silente, el cual pone en movimiento las fotografías de cada carta y nos permite leer el poema entero -recorriendo los caminos de la creación a través de tres mujeres: la meditadora, la compositora y la boba enamorada-. La caja exterior de color amatista lleva tinta plateada de impresión tipográfica realizada por Jordi Oms en l’Automàtica, una imprenta Letterpress en Barcelona recuperada por un colectivo de diseñadores, poetas e ilustradores. Hacemos a mano cada una de las cajas, que contienen un universo propio pensado como herramienta de autoconocimiento capaz de ofrecer un espacio-tiempo de calidad. -
Marie Shaira Tecnica: Mixed Media (acrylic and oil pastel on canvas) Dimensione: 50 x 70cm Anno: 2026 Descrizione: Too far to go back, but are we really going to reach the end of this? What if we could just stay here and sleep in between this heavenly scent and the sound of blooms? -
Cristina Misia Tecnica: Tecnica mista di collage Anno: 2024 Dimensione: 50cmx70cm Descrizione: Attraverso l'opera lo sguardo dello spettatore è guidato attraverso una serie di molteplici suggestioni visive, con scene tipiche dell'iconografia della primavera che si mescolano vivacemente con situazioni dal gusto picaresco e magico. -
Cristina Misia Tecnica: Tecnica mista di collage Anno: 2026 Dimensione:70cmx50cm Descrizione: Attraverso l'uso del collage a tecnica mista lo spettatore è invitato a esplorare il mondo naturale attraverso nuovi occhi. -
Carlotta Castelletti Tecnica: Acquerello Anno: 2020 Dimensione: 50 x 70 Descrizione: In ricordo di alcuni cespugli e fiori incontrati lungo un sentiero -
Carlotta Castelletti Tecnica: Acquerello su carta Anno: 2020 Dimensione: 50 x 70 Descrizione: L’ opera è stata realizzata in modo fluido e automatico con L’ acquerello ricordando dei fiori visti in un prato -
Carlotta Castelletti Tecnica: Mista su tela Anno: 2026 Dimensione: 80 x 80 Descrizione: È un simbolo di speranza durante qualsiasi cambiamento della vita , quando tutto sembra perso , qualcosa di nuovo germoglia e dona nuova linfa . La nascita , la vita e la fine , il ciclo continuo che ci fa esistere -
Marie Shaira Tecnica: Mixed-Media Dimensione: 50 x 50cm Anno: 2026 Descrizione: The feeling of losing the way back is also the feeling of finding your way through. And being drowned with thoughts can be a choice between a flood of hard water or a flood of soft flowers. -
Isabelpatriciart Tecnica: Acrylic paint and Mixed Media on Canvas Dimensione: 50cm x 40cm Anno: 2024 Descrizione: This painting is about a person with freshly washed hair and is very satisfied with the outcome. I am showing this in the form of the pilea plant, it has a lot of leafs, they are healthy and shining, the plant is feeling great and has been planted in a pretty pot to strengthen the feeling of well-being. -
Isabelpatriciart Tecnica: Acrylic paint and Mixed Media on Canvas Dimensione: 50cm x 40cm Anno: 2026 Descrizione: The work shows a Pilea plant, it has offshoots still connected to the mother plant, Mama. In my family we are four children, that's why there are 4 little offshoots. In the leafs of the mother plant there are hearts showing which also stands for the love of the mother for her children. Sometimes the love is more visible and sometimes not, some of the hearts have been painted over to emphasize it. -
FlowerShapes Tecnica: Acrilici, fiori essiccati e tessuto riciclato Dimensione: 13x18cm Anno: 2026 Descrizione: Seconda opera della serie dedicata a Roma, ORMA nasce sempre dall’astrazione delle aperture del Colosseo, trasformate in forme essenziali che in questo caso si ripetono come presenze architettoniche sospese. L'elemento naturale attraversa la composizione con un andamento spontaneo e fragile, in contrasto con la struttura rigorosa delle geometrie. Il tessuto recuperato diventa un elemento di connessione tra la natura e la forma. Acrilico, fiori essiccati, tessuto riciclato -
FlowerShapes Tecnica: Acrilici, fiori essiccati e tessuto riciclato Dimensione: 13x18cm Anno: 2025 Descrizione: Prima opera di una serie dedicata a Roma, città di origine dell'artista, AmoR nasce dall’astrazione di una delle aperture del Colosseo, reinterpretata come forma essenziale e simbolica. La geometria scura accoglie un elemento naturale fragile e leggero, trattenuto da un frammento tessile recuperato che attraversa l’opera come un segno silenzioso. In questa composizione, architettura e natura convivono in equilibrio: la rigidità della struttura incontra la delicatezza organica del fiore, creando una presenza sospesa tra memoria, materia e trasformazione. Acrilico, fiori essiccati, tessuto riciclato -
Tecnica: Acrilico su fotografia Anno: 2022 Dimensione:: 29cm x 21cm Descrizione: Il ladro di sogni L'amore in balia tra sogno e incubo. Dal vuoto oscuro e profondo sotto il letto, emerge una mano scheletrica e spettrale. Questa mano misteriosa afferra saldamente il polso e la mano inerte della ragazza, che pende abbandonata oltre il bordo del materasso. È questo l'elemento perturbante che incarna letteralmente il "ladro": una presenza sotterranea che stabilisce un contatto fisico con la sognatrice, come a volerle strappare i pensieri o ancorarla a un incubo. Gli amanti: Due figure eteree e pallide, un uomo e una donna, si tengono per mano a piedi scalzi, immersi nella vegetazione. La loro staticità e il modo in cui si guardano trasmettono un senso di eterno e malinconico distacco. Il testimone silenzioso: In alto a destra, tra i rami degli alberi, un gufo osserva la scena con occhi grandi e fissi, simbolo ancestrale di saggezza, ma anche di mistero, transizione e guardiano del mondo notturno. -
Tecnica: Acrilico su fotografia + plastica Anno: 2026 Dimensione: 37cm x 27 cm Descrizione: Morgana A volte l'amore è un vampiro che ti strappa il cuore, e ti porta con se nella tomba. Fotografia, pittura acrilica, solventi, e plastica si fondono insieme per dar vita a un ibrido dalle atmosfere oscure e simboliche. -
Davide Priolo Tecnica: Tecnica mista, fondo in calce materica, acrilici, gel printing, colori base gesso Anno: 2026 Dimensione senza cornice: 70×70 cm Descrizione: Un’opera che esprime il concetto del proibito come privazione, la privazione della conoscenza da parte delle Divinità che ha generato dolore e perdizione nel genere umano… un frutto tenuto lontano dalla portata di tutti che versa sangue per non essere mai stato condiviso…. L’ammirazione delle Divinità esprimono dai loro occhi emozioni in alcuni di paura, altri di rabbia, invidia,indifferenza e tristezza, solo gli occhi non possono mentire….. -
Emanuela Liccardi Tecnica: Tecnica mista Dimensione: L 50 cm x H 70 cm Anno: 2026 Descrizione: "Sinapsi" 2026 Tecnica mista su tela – 50 x 70 cm. Quest'opera traduce in pittura ciò che la scienza misura e il cuore sa da sempre: l’abbraccio tra madre e figlio è un evento elettrico. Due figure avvolte in toni di blu e viola si stringono. I corpi sono definiti, materici, ma è quello che accade tra loro a dominare la tela. Un’esplosione di filamenti d’oro e luce bianca collega le due teste, attraversa i busti, si irradia verso il basso. Non è contorno, è connessione. Sono neuroni che si accendono, ossitocina che circola, benessere che diventa visibile. La madre ha i capelli raccolti, e proprio nello chignon si concentra un nucleo caldo, rossastro, percorso da scariche luminose. È il cervello che risponde al contatto. Il bambino, con il volto abbandonato sulla spalla, riceve e rimanda la stessa luce. Non c’è uno che dà e uno che prende: è un circuito chiuso, un dialogo sinaptico perfetto. L’abbraccio chiude il cerchio e l’energia fluisce. La scelta cromatica è potente. Il blu profondo dello sfondo e dei corpi evoca la notte, l’interiorità, il liquido amniotico. È il colore della calma, della profondità emotiva. Su questo buio sicuro si stagliano le sinapsi in oro, giallo e bianco. Calore puro. Vita. Sono pennellate materiche, graffiate, che sembrano davvero condurre elettricità. "Sinapsi"non descrive solo un abbraccio. Dimostra che l’amore materno ha una fisica, una chimica, una luce propria. Rende visibile l’invisibile: quel benessere reciproco che scatta nel contatto pelle a pelle, nello stringersi. È neuroscienza che si fa poesia. Un’opera intima e universale. Ti entra dentro e accende qualcosa. -
Emanuela Liccardi Tecnica: Tecnica mista su tela con filo Dimensione: L 30 cm x H 40 cm Anno: 2026 Descrizione: "Filo di Donna" 2026 Tecnica mista su tavola 40×30 cm. Un pugno allo stomaco e una carezza nello stesso momento. Su un fondo giallo e ocra, caldo quasi febbrile, si staglia la protagonista, accovacciata in primo piano, diventa simbolo universale: una donna che ricuce, con ago e filo, le ferite che altre donne portano addosso. La composizione si legge per piani emotivi. Subito dietro, una coppia incarna il matrimonio da salvare. Lei chioma castana in verde intenso, lui capelli rossi con camicia azzurra. Lo squarcio tra i due è evidente, profondo, ma già cucito. Il filo dice che il danno c'è stato, ma anche che si può riparare. Poco distante, la piccola figura bionda in viola ha già vinto la sua battaglia: la bocca spalancata, i fili strappati che prima la zittivano. È la voce riconquistata. I volti sono schematici, spigolosi, senza occhi. Una scelta che toglie individualità per restituire universalità. Non è la storia di una, è la storia di tante. Poi lo sfondo, che in realtà è il vero cuore del quadro: una camicia bianca ocra e rosa carne, sospesa. Da lì spunta un seno con un livido vistoso sotto al capezzolo e una cucitura netta. È il tumore al seno, è la violenza, sono le ferite interiori che ogni donna conosce e che prova a ricucire ogni giorno. La tecnica mista rafforza il messaggio. La materia del filo reale sulla tela trasforma la metafora in gesto concreto. Il colore gioca per contrasti: i verdi, i viola e gli azzurri delle figure contro i toni carne e il bianco sporco della camicia. Dolore e speranza tenuti insieme dallo stesso punto. Punti di sutura non è un’opera che consola. È un’opera che riconosce. Mette insieme matrimonio, voce negata e malattia in un unico atto di cura. Quel filo che unisce le storie è anche quello che tiene insieme noi. Essenziale, diretto, necessario. -
Emanuela Liccardi Tecnica: Tecnica mista su tela Dimensione: L 70cm x H 80 cm Anno: 2026 Descrizione: "La fuga dei cervelli" 2026 Tecnica mista 70 x 80 cm. Una rappresentazione cruda della condizione della generazione Z, intrappolata nella sua dipendenza tecnologica e sempre più isolata dalla realtà. La ragazza con occhi stanchi e arrossati, persa nel suo mondo virtuale, è un simbolo della perdita di connessione con il mondo reale. La scena è dominata dalla figura del cervello con gli occhiali blu, che abbandona il cranio della ragazza e si mette in cammino verso un mondo ancestrale di luce, lasciando dietro di sé una scia di abbandono e di decadenza. Il muschio verde che invade la ragazza è un simbolo della natura che reclama il suo spazio, mentre la civiltà umana si disintegra. La critica sociale è evidente e pungente, e l'artista non risparmia colpe ai giovani della generazione Z, accusati di essere sempre più ebeti e antisociali. La rappresentazione dei cervelli che partono alla fermata del bus, sottolinea come la fuga dalla realtà sia una scelta collettiva. La tecnica pittorica è magistrale, con l'uso sapiente dei colori e delle ombre che crea un'atmosfera ancestrale. L'opera è un grido d'allarme, un invito a riflettere sulla nostra dipendenza tecnologica e sulla perdita di connessione con il mondo reale. È un'opera che fa pensare e che resterà impressa nella memoria dello spettatore a lungo dopo averla vista. -
Vincenzo GalotaTecnica: tecnica mista su tela (spray, silicone, pigmenti metallici)Anno: 2026Dimensione senza cornice: 100 x 70 cmDescrizione: Un’astrazione materica costruita attraverso stratificazioni, segni e variazioni tonali. La superficie diventa traccia di tensione, erosione e movimento, in un equilibrio tra struttura e dissolvenza. -
Vincenzo GalotaTecnica: tecnica mista su tela (spray, silicone, pigmenti metallici e materiali industriali)Anno: 2026Dimensione senza cornice: 100 x 70 cmDescrizione: Opera su tela costruita attraverso stratificazioni, abrasioni e interventi materici. La superficie lascia emergere una struttura fragile e sospesa, dove il segno si trattiene tra presenza e dissoluzione, evocando una tensione interna e silenziosa. -
Tecnica: fotografia digitale, stampa fine art, cornice a cassetta americana con distanziatore Anno: 2024 Dimensione: dimensioni variabili Descrizione: Questo gatto viene da un cimitero molto speciale, CASA ROSA, sui colli romani, fondato su richiesta di Mussolini per seppellire l'oca con cui giocavano i figli. Lapidi curate, dediche, fiori freschi e souvenir – i cimiteri degli animali sono infinitamente più curati di quelli umani perché nessun animale domestico è mai stato ricordato con rancore. Cravattino per l'occasione, candeline e la scatoletta preferita – il Complegatto continua a festeggiare gli anni dalla propria lapide di marmo candido, felice di questo o meno – non si sa. Spoon River Pets serie è una serie fotografica dedicata ai cimiteri degli animali per esplorare il nostro complesso e spesso paradossale rapporto con il PET e il dark side del fenomeno KAWAII cui l'animale domestico è il muto complice. -
Tecnica: fotografia digitale, mixed media, fotografia digitale, stampa fine art, cornice a cassetta americana con distanziatore Anno: 2026 Dimensione: dimensioni variabili Descrizione: Spoon River Pets è una serie fotografica dedicata ai cimiteri degli animali per esplorare il nostro complesso e spesso paradossale rapporto con il PET – quella categoria di animali "privilegiati", considerati membri della famiglia, amati e pianti, posti come l'emblema di purezza e di amore disinteressato. Quegli animali che rappresentano una Natura a misura d'uomo. Lapidi di animali fotografati dall'artista, ritagliati e disposti in ordine cromatico per sottolineare la serialità e il pattern comune al sentimento di molti. Attraverso l'estrazione fotografica il lavoro vuole esplorare il dark side del fenomeno Kawaii, cui il PET è il muto complice. -
MRB MOSAICI Tecnica: Mosaico Anno: 2025 Dimensione: [senzacornice] Descrizione: Il mosaico raffigura Apollo, divinità della luce e dell’armonia. L’opera reinterpreta in chiave contemporanea i modelli classici, fondendo rigore tecnico e sensibilità moderna. L’uso dell’oro e dei toni luminosi richiama il carattere divino e solare del dio, restituendo alla figura una presenza insieme sacra e umana. -
Andrea Siliprandi Tecnica: Acrilico, Olio, Inchiostro, Vernice spray, Gesso, Pennarello, Carboncino Anno: 2025 Descrizione: L’opera nasce da una profonda riflessione sull’interdipendenza tra le polarità che attraversano l’esperienza umana: maschile e femminile, razionalità ed emotività, norme e accudimento, paternità e maternità. Questi elementi pur distinti non si oppongono piuttosto si completano, dandosi significato reciprocamente. Nessuno di essi conserva pieno valore se è isolato dall’altro. Il nido familiare-luogo di origine, cura e contemplazione-diventa simbolo e fonte di ispirazione: uno spazio in cui le tensioni si trasformano in armonia e le identità si costruiscono nella relazione. -
Lorenzo Paolucci Tecnica: Acrilico, Olio, Carta Anno: 2025 Dimensione: [senzacornice] Descrizione:L’opera nasce dopo un episodio traumatico, un incidente estivo con un monopattino elettrico. In quell’istante, Lorenzo percepisce di aver infranto la pellicola trasparente che regge il mondo patinato e perfetto in cui viviamo, quella superficie sottile che tiene tutto intatto, lucido, immobile. Una volta rotta, riemerge la sua parte blu: vulnerabile, autentica, imperfetta. L’opera diventa così un rito di esorcismo, una dichiarazione di identità e di dolore. Attraverso il colore e la materia, l’artista trasforma la frattura in linguaggio visivo, restituendo al trauma un’estetica di libertà e di rinascita, per restituire ancora una volta alla tristezza la giustizia che si merita nella vita quotidiana. -
Andrea Siliprandi Tecnica: Acrilico, Olio, Inchiostro, Vernice spray, Gesso, Pastello, Pennarello Anno: 2025 Dimensione: [senzacornice] Descrizione: L’opera prende vita da un intenso scambio tra padre e figlio, dove il punto di vista del bambino-autentico spontaneo e libero da condizionamenti-diventa catalizzatore di cambiamento. L’idea personale che guida inizialmente l’opera prende forma e si lascia influenzare dall’intuizioni del piccolo, accogliendone la freschezza e la purezza percettiva. Intreccio di prospettive nato dallo sguardo di padre e figlio genera un processo creativo inaspettato: l’opera si discosta dalla visione originaria per perseguire una traiettoria più libera e intuitiva. -
Edmea Tecnica: Acrilico, Carboncino, Tempera Dimensione: 70x90 cm Anno: 2025 Descrizione: La ragazza è seduta, assorta, mentre il suo gatto blu si appoggia sinuoso alla sua gamba. Le dita, anch’esse blu, sembrano aver assorbito qualcosa del suo compagno silenzioso. L’anello gigante che indossa diventa simbolo di connessione, forse un patto invisibile tra anima e desiderio. The girl sits, absorbed in thought, while her blue cat curls gracefully against her leg. Her fingers, blue as well, seem to have absorbed something from her silent companion. The oversized ring she wears becomes a symbol of connection—perhaps an invisible pact between soul and desire. -
Francesca Petroccia Tecnica: Olio Anno: 2024 Descrizione: Il quadro presenta una composizione intensa e intima, costruita attorno a un intreccio di corpi e mani. Le tonalità morbide e fredde della pelle si fondono con ombre profonde, creando un contrasto che amplifica la tensione emotiva dell’immagine. Il gesto delle mani — che stringono, si aggrappano, si cercano — diventa il fulcro del dipinto: un linguaggio silenzioso che parla di desiderio, protezione e vulnerabilità. L’assenza di volti sposta l’attenzione sulla fisicità e sulla materia pittorica, trasformando la scena in una riflessione sull’intimità come spazio interiore, più che come relazione tra corpi. Il risultato è un’immagine sospesa, carica di quieta potenza, dove l’atto del contatto diventa metafora dell’identità e del bisogno umano di connessione, il bisogno della ricerca tra due corpi. -
Francesca Petroccia Tecnica: Olio Anno: 2020 Descrizione: L’opera nasce in un momento particolare della vita dell’artista: il lockdown. Periodo nel quale in numerose persone si è scatenato un senso di non appartenenza alla realtà sociale che le ha sempre circondate, fino a farle sentire del tutto fuori luogo in ogni momento. L’artista vuole trasmettere la sensazione di perdita personale, di costante ricerca di un luogo che possa rappresentarla ma che non riesce mai a trovare e dando vita così ad una pesantezza indescrivibile. Nasce così l'idea di dare ai volti un colorito violaceo, poiché il viola suscita un sentimento di paranoia che è lo scopo stesso del quadro: la paranoia del non trovare una propria realtà e un proprio posto all’interno della società odierna. -
Lea Brugnoli Tecnica: Digitale, Foto Anno: 2025 Descrizione: Body Light Move è una serie fotografica che esplora l'incontro tra luce, movimento e corpo umano attraverso l'arte del video mapping. Le foto sono una testimonianza di performance a porte chiuse, in cui le ballerine, in forma di improvvisazione, si muovono immerse nella proiezione. Le proiezioni video si concentrano sempre su pose ed espressioni diverse, e le foto catturano i migliori incontri tra il corpo del performer e la proiezione video. Le immagini e i video sono stati creati da Lea Brugnoli e scelti e adattati durante la danza. Tutti gli artisti ritratti risiedono a Berlino. In questa foto: Jenna Berlyn -
Lea Brugnoli Tecnica: Digitale, Foto Anno: 2025 Descrizione: Body Light Move è una serie fotografica che esplora l'incontro tra luce, movimento e corpo umano attraverso l'arte del video mapping. Le foto sono una testimonianza di performance a porte chiuse, in cui le ballerine, in forma di improvvisazione, si muovono immerse nella proiezione. Le proiezioni video si concentrano sempre su pose ed espressioni diverse, e le foto catturano i migliori incontri tra il corpo del performer e la proiezione video. Le immagini e i video sono stati creati da Lea Brugnoli e scelti e adattati durante la danza. Tutti gli artisti ritratti risiedono a Berlino. In questa foto: Elke Kalupar -
Lea Brugnoli Tecnica: Digitale, Foto Anno: 2025 Descrizione: Body Light Move è una serie fotografica che esplora l'incontro tra luce, movimento e corpo umano attraverso l'arte del video mapping. Le foto sono una testimonianza di performance a porte chiuse, in cui le ballerine, in forma di improvvisazione, si muovono immerse nella proiezione. Le proiezioni video si concentrano sempre su pose ed espressioni diverse, e le foto catturano i migliori incontri tra il corpo del performer e la proiezione video. Le immagini e i video sono stati creati da Lea Brugnoli e scelti e adattati durante la danza. Tutti gli artisti ritratti risiedono a Berlino. In questa foto: Giorgia Bovo -
Collettivo Rosole Tecnica: Uncinetto, Oggetti trovati, Decoupage Anno: 2025 Dimensione: 82 x 62 cm Descrizione: Ispirandoci al "Cadavere Squisito" surrealista — un gioco collettivo nato negli anni ’20, dove frammenti creati da più mani si uniscono in un'opera imprevedibile — abbiamo sviluppato un progetto tessile che riflette sul concetto di autorialità diffusa, perdita del controllo e creazione collettiva. In questa versione tessile del gioco, ogni partecipante ha realizzato una forma all’uncinetto in un tempo determinato da una clessidra. Allo scadere del tempo, il lavoro veniva passato alla persona accanto, che lo proseguiva senza conoscere l’intento originario. Il processo si è ripetuto fino a quando tutte le forme sono state completate e cucite insieme, dando vita a un’unica opera composta da intrecci, colori e gesti di tuttə. Il risultato è un organismo tessile in cui le singole identità si dissolvono in una narrazione corale, dove il gesto individuale si fonde nel flusso collettivo, rendendo visibile un pensiero condiviso che prende forma attraverso il fare. -
YEVGENIYA KULIKOVA Tecnica: Fotografia analogica Anno: 2024 Dimensione: 70 x 100 cm Descrizione: La materia restante di una lava tiepida che emana la sua energia cosmica nelle mani di un essere che non è altro che l'essere stesso dell'universo nella sua matericità. -
Fernando Manuel Ricárdez Lara Tecnica: Digital animation loop (MP4) Anno: 2023 Dimensione: Variable (video projection or screen installation) Descrizione: Espera is a digital animation loop created from a cranial resonance and a photograph taken during a four-hour wait at a public hospital in Mexico. Inside the skull, the waiting bench becomes a space of solitude, contrasting the overcrowded hospital with the inner world of the patient. The work reflects on suspended time, and the dialogue between clinical imagery and personal memory -
Paolo Castelli Tecnica: Tecnica mista Scultorea Anno: 2023 Dimensione senza cornice: 18x13x41 cm Dimensione con cornice: 18x13x160 cm Descrizione: L'opera vuole rappresentare due palazzine in cemento armato in uno stato di visibile degrado e decadenza, il quale è arrivato ad un punto tale da deformare la struttura interna. La situazione in questione fa riflettere sul caos e il disordine che si trova l'interno di queste strutture, fatte di cemento armato, in cui l'interno puro e consistente non omette niente della realtà oggettiva.
